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Campanella, Vito (1932) "Tres figuras"  

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Columna de Arte

 

“ORIGEN Y FUTURO”


Es poco frecuente que uno conozca el origen de prácticas que

son habituales como por ejemplo, la de vender en subastas.


Sepan que ésta es la forma más antigua de comercio de

obras de arte, y que comenzó en la antigua Roma.


Según cuenta Nicola Mariani en el blog, “El sueño de Polífilo”, las

subastas eran muy populares entre los romanos y se celebraban

en la Vía Sacra y bajo los pórticos del “Saepta Julia”, en el Foro.

 

El término “subasta” deriva del latín y se refiere a la costumbre de

clavar una lanza (“hasta”) en el suelo ahí donde se celebraba la

venta, lo que garantizaba que el comercio se desarrollara bajo la

Garantía de la autoridad pública (“sub hasta”).

 

La expansión del Imperio Romano a Grecia en el siglo I, produjo

una gran expansión, y sentó las bases de lo que hoy es el mercado

del arte, con algunas variantes dadas por el lugar y las circunstancias.

 

En nuestro medio, los períodos de inflación o de disminución de

la actividad económica, suele ser también un momento propicio 

para invertir en la franja de los emergentes que tengan presencia

en el circuito, es decir, expongan en galerías, ferias o museos, o 

bien participen en subastas y logren marcas que se sostengan

en el tiempo.

 

 

Fernando Esperon  

 

 

 

 

LAS "OTRAS" SUBASTADORAS

 

Por lo general, el pulso del mercado del arte a escala global se mide, en los medios de prensa, con la
vara de los precios que se obtienen en las dos grandes subastadoras.

Sin embargo, no son los únicos, y algunos de sus competidores ocupan cada vez más espacios.
Operando desde sus principales salas de ventas en Londres, Nueva York, San Francisco, Hong Kong
y Los Ángeles, la casa Bonhams lleva a cabo alrededor de 400 ventas anuales a través de sus
sesenta departamentos especializados.

En 2009 Bonhams anunció que había tomado el liderazgo en diez áreas clave en el Reino Unido por
primera vez, incluyendo antigüedades, armas y armadura, relojes, automóviles de turismo, cerámica
europeay arte japonés,y ya comienza a alcanzar récords absolutos en pintura.

Artcurial, en Francia, en su origen era una librería-galería especializada en ediciones de arte,
hasta que en 2001 se convirtió en una casa de subastas. Algunos de los nombres más conocidos
delas ventas de arte en Francia decidieron unir sus fuerzas para hacer frente a la “invasión”
anglosajona, que acababa de desembarcar en Francia bajo los prestigiosos nombres de Christie’s
y Sotheby’s y de paso poner al alcance de la mano de un amplio público el tema de las subastas
desde el Hotel Dassault.

Desde la subastadora gala, aseguran que las obras están al alcance de cualquiera, ya que las
ventas más sencillas comienzan a partir de 80 euros. Pero la subastadora más reconocida en
esta parte del globo, por los récords conseguidos para artistas latinoamericanos, especialmente
brasileros, es Phillips de Pury, fundada en Londres en 1796 por Harry Phillips, ex jefe
administrativo de James Christie.

Durante su primer año de actividad, Phillips realizó doce subastas exitosas y pronto el
negocio estaba 
sosteniendo las ventas de algunos de los más destacados coleccionistas de la
época como María Antonieta, Beau Brummel y Napoleón Bonaparte.

Para ganar negocios, Phillips combinó visión comercial con creatividad. Después de fusiones
y ramificaciones que transformaron el nombre de Phillips & Son al de Phillips De Pury, hubo
un tiempo en que perteneció a Bernard Arnault, dueño de Louis Vuitton, hasta que en octubre
de 2008 Mercury Group, entró como socio mayoritario permitiendo una mayor expansión de la
compañía, y con ella la apertura de su emblemática sede en 450 Park Avenue, en Nueva York.

En enero de 2013, la compañía comenzó otro nuevo capítulo, volviendo a llamarse Phillips,
después de que Simon de Pury partió como presidente y Mercury Group asumió la propiedad
total de la compañía.


Fernando Esperon 

 

 

De Altmira a Wall Street

Entendida a la distancia más como rito mágico y religioso, la pintura rupestre nos hace pensar, si usamos la imaginación, que los artistas que dibujaban mejor
las escenas de caza, atraían con mas fuerza el favor de los espíritus, y por consiguiente, una caza mas abundante.

¿Eran entonces los cazadores más hábiles y por tanto más poderosos los que daban a los artistas rupestres el alimento y pieles a cambio de que pinten sin tener que asumir la dura lucha por la subsistencia,?

Ese y no otro podría ser el origen del mecenazgo como idea, y la intensidad de la demanda y la diferencia en la calidad de la carne y las pieles ofrecidas según el talento del artista podría ser, ni más ni menos, el del mercado del arte.

Aunque los datos de la realidad ubiquen primero en el Renacimiento y al del segundo en la Baja Edad Media, cuando las transacciones comerciales con las obras de arte llegaron a convertirse en un hecho muy lucrativo, sobre todo para tablastapices, pequeñas esculturas, que fueron los
soportes más exitosos junto a  la pintura al óleo sobre lienzo y el grabado, fácil de trasladar incluso a grandes distancias.

Pero el aumento del prestigio social del artista no llegó sino hasta el Renacimiento Italiano, cuando los más afamados de entre ellos fueron tratados por el poder al mismo nivel que los poetas o filósofos, y designados cortesanos, codeándose con príncipes y papas.

Los “pintores de las cortes” llegaron a gozar de la confianza de los reyes, que les encomendaban actividades diplomáticas además de -lógicamente- convertirlos en sus agentes de compra de objetos de arte durante estos viajes, o recibiendo títulos nobiliarios como Van EyckRubensVelázquez y otros.

El resto lo hizo el crecimiento del sistema bancario empezando por el mayor banquero Florentino, Juan Bicci de Médici, el primer “mecenas” o  patrocinador financiero de arte de la familia, que ayudó a Masaccio y ordenó la reconstrucción de la Basílica de San Lorenzo de Florencia, seguido por Cosme de Medici, que patrocinó a notables artistas como Donatello y Fra Angelico.

Pero la principal “adquisición” de los Medici a través de la historia fue Miguel Ángel, un arquitecto, escultor y pintor de los más grandes de la época en las tres disciplinas quien produjo una serie de obras para distintos miembros de la familia, comenzando con Lorenzo el Magnífico.

El mercado iba creciendo conforme pasaron los años y los siglos, de la mano de otros banqueros europeos primero, como los Rotschild en Europa, y ya en el siglo veinte en Estados Unidos, donde los mecenas se transformaron además de financistas, en promotores de determinados estilos y tendencias, como los Morgan, Gughenheim, Withney, Rockefeller y otros, que llevaron a precios siderales para entonces a la llamada “Escuela Abstracta de Nueva York“ en los 60.

Pero fue en los 80´s, cuando el mercado de capitales se adueñó de la franja de precios más alta con los Cohen, Geffen, Gagossian y otros pocos a la cabeza.

Para Georgina Adam de “The Art Newspaper” suplemento del diario británico Financial Times “No deja de ser un pequeño grupo de megamillonarios que persiguen a un pequeño grupo de artistas".

 

Fernando Esperon

 

 

 


En las subastas desarrolladas en la última semana de Mayo de este año en la ciudad
neoyorquina (en Sotheby´s, Christie´s y Phillips de Pury) sumaron ventas por 42 millones
de dólares, incluidos la comisión e impuestos.

Un retrato de familia pintado por el artista colombiano Fernando Botero, obras del uruguayo
Joaquín Torres García y esculturas de la brasileña Lygia Clark, fueron los trabajos
más destacados.

El lote principal de Christie's fue la obra de Torres García "Composición TSF" de 1931,
comprada en 1,6 millones de dólares por un coleccionista sudamericano. En Sotheby's,
la escultura de 1960 de Clark "Bicho-Em-Si-Mid (No. IV)logró 1,2 millones de dólares.

No hay que olvidar que las 10 obras de mayor precio significaron más de una cuarta parte
del valor total de las ventas, siendo que en el segmento más bajo las ventas también
son muchas, pero naturalmente suman mucho menos.

Concentrándonos en ese segmento de menor precio, podemos decir que no es necesario
invertir cifras descabelladas para adquirir obras de artistas consagrados como un retrato de
Oswaldo Guayasamin que se vendió en u$s 10.000, una “Atmosphère Cromoplastique” de
Luis Tomasello en u$s 18.750 o “Caminantes” de Rufino Tamayo y “S/T de Matta, ambas telas
de mediano formato en u$s 23.570.

Por supuesto, no se trata de obras iconográficas o con mucha historia, pero la diferencia en los
precios entre una y otra, siendo del mismo artista puede ser muy grande, aun cuando sean iguales
en soporte, época y tamaño.

Sin embargo, las tendencias cambian y los conceptos y precios varían rápidamente, por la vertiginosa
velocidad de la comunicación.
 

El segmento de menor precio de los latinoamericanos es - contando con buen asesoramiento -, una
alternativa de inversión para estudiar si no se tienen expectativas desproporcionadas, y con el plus que
sólo la inversión en arte tiene: el del placer estético, el llamado del espíritu que es el primer impulso para
adquirir un bien que excede el cálculo de renta que se aplica a otras opciones.

Fernando Esperon

 

 

 NO SOLO DE ARTE VIVEN LOS MUSEOS


Los museos, en otra época distantes del público, se han abierto
a prácticas novedosas de management.

En un mundo donde las necesidades básicas no están cubiertas para
muchos, los presupuestos estatales de los museos son recortados en
los momentos de crisis o incertidumbre para ser aplicados – en el
mejor de los casos, a necesidades más urgentes.

Ante este panorama, el ingenio de los directivos debe crecer
y opciones creativas deberán ser prácticas habituales.

En el MOLLA - Museo de Arte Moderno de Los Ángeles - California,
hay dos Direcciones Generales; una artística, que dirige la agenda de muestras
y el perfil artístico, y otra de gestión comercial, que se encarga de la obtención
de fondos, membresías, auspicios, merchandising, etc.

Aunque en la mayoría de los museos de todo el mundo es primordial
la función del Estado, que siempre termina siendo el principal sustentador
de la actividad es más que interesante desarrollar la función de las
empresas como auspiciantes o el patrocinio de personas físicas.

El dinero que se recauda en concepto de entradas ayuda pero no basta
y además faltan en nuestro país atractivos impositivos como algunas
exenciones especiales que alienten el sponsoring.

Auspiciar con dinero no está permitido por el reglamento de los museos,
Si realizar canjes con los que se cubren necesidades vitales como piezas
gráficas, pasajes, alojamientos para artistas, o aún de infraestructura como
computadoras u otros elementos que se intercambian por una asociación
de imagen entre el museo y el auspiciante.

También, grandes museos del mundo alquilan sus salas para lanzamientos
de empresas, productos o perfomances donde el arte se asocia
con grandesmarcas de la cosmética o la moda utilizando espacios
para maquilladores o diseñadores, sin que esto altere el guión o la
programación artística de un Museo.

Los directores de Museos prefieren claro está, opciones más creativas:
y actualmente hay muchas: por citar un ejemplo, cuando el gobierno
Griego suprimió el presupuesto del Museo de la Acrópolis de Atenas,
éste se sostuvo con los ingresos que proporcionaba su restaurant y,
en México,  el Museo de Arte Popular se alquila para bodas y otros
eventos.

Como sea, los museos en todo el mundo tienen otro significado para la gente,
que los disfruta y vive con entusiasmo y las fuentes de ingresos mas variadas,
lo que asegura un funcionamiento mas fluído.


Fernando Esperon

 


Lo ocurrido en la Subasta de Arte Latinoamericano en Sotheby´s 
- que totalizó
u$s 21.261125 -  reafirmó una tendencia que se 
replicó en los otras dos subastadoras,
y que se viene notando 
también en las operaciones privadas que se conocen en los últimos
tiempos: el ascenso del arte brasilero.

Contra lo que indicaban los precios estimados que ponían al tope a
“Los jugadores de cartas”
de Fernando botero y “Los emigrantes“
de Antonio Berni ,el primero con una estimación de
entre un1 millón / 1.500 mil dólares y el segundo entre 800 y 1.200 mil dólares- y que no
encontraron oferentes - el récord absoluto de las tres subastas otoñales neoyorkinas, fue para
“Relief 2152“ de Sergio Camargo que con una de base de u$s 500.000/ 700.000
que cuadruplicó
la postura cuando se fue en u$s 2.165.000.

Y una segunda marca muy  importante para la obra “Relief 289“ también de Camargo, otra de
las cuatro en superar el millón de dólares que hizo bajar el martillo cuando la postura llegó
a u$s1.350.000.

En Christie´s, que vendió la similar cifra de u$s 18.240.375, liderado por "Mujeres llegando
a la luna", del mexicano Rufino Tamayo, por el estimado de máxima en u$s 1.445.000
(con una expectativa de u$S 1,2 millón), y "O casamento", de la brasileña Beatriz Milhazes en
u$s 1.025.000, un 30% por sobre el estimado inicial. y en la grilla de marcas de seis cifras,
“Secuencia visual”, de Abraham Palatnik, u$s 785.000, y "Relief n 285", del brasileño Sergio
Camargo, en u$s 749.000.

Performance  que se completó con los resultados de Philips de Pury, donde la obra
“Bicho invetebrado“ de Lygia Clark, obtuvo u$s 1.865.000.“Relief 347“ de Sergio Camargo
u$s 785.000.“Superficie modulada” nuevamente de Lygia Clark, en u$s 461.000. y “Homenagem
a Fontana“ de Nelson Leiner, en u$s 359.000.

Una nota carioca para un otoño que tuvo - exceptuando por el tsunami
carioca - resultados
preanunciados.


Fernando Esperon

 

 

 

 

Christie´s anuncia para el 19/20 de noviembre, más de 240 lotes en la subasta de arte
Latinoamericano que encabeza una rara
obra del pintor oaxaqueño Rufino Tamayo,
“Mujeres llegando a la
luna, un trabajo de la década del 40, que proviene de la
Cleveland
Museum of Art.

Emilio Petorutti, Alejandro Xul Solar, Sarah Grilo, Florencio Molina
Campos,
Rómulo Macció, Luis Tomasello, Eduardo Mac Entyre,
Rogelio Pollesello, Antonio Seguí,
Guillermo Kuitca, Luis Benedit y Nicolás Garcia Uriburu son los argentinos que integran
la lista de nuestros compatriotas.

Brasil, es representado por Emiliano Di Cavalcanti, Alfredo Volpi, Sergio Camargo,
Abraham Palatnik y Beatriz Milhazes.
Se destacan también obras de los mexicanos, Rodolfo Nieto, Ricardo Martínez y Juan Soriano,
el cubano Wilfredo Lam,el chileno Matta, el
uruguayo Joaquín Torres García, el venezolano
Jesús Rafael Soto,
el colombiano Fernando Botero y el guatemalteco Armando Morales.

En Sotheby´s, el récord de base es para “Jugadores de Cartas, de Fernando Botero,
que tiene un estimado de u$s 1.500.0000 / 2.000.0000,
aunque los ojos argentinos tienen su
foco de atención en la obra 
de Antonio Berni, ”Los emigrantes” de 300 x 190 cm, (que fuera
titulado 
por Charlie Chaplin,que además lo escribió en el bastidor de su puño y letra) y que
sale con la base inédita de u$s 800.000 /1.200.000.

Completan el podio de los récords “Nuestra señora de Nueva York” también de Botero, y con
idéntico estimado, “Morfologie psychologique (Fleureur), del chileno Roberto Matta.

Le siguen, ya en franja menor a millón de dólares, “Relief No 289” del brasileño Sergio
Camargo en u$s 700/900 mil, Claudio Bravo con “Khabyas” y Rufino Tamayo con
“Aviones de paso”, los dos últimos en u$s 600/800 mil.

Emilio Petorutti, Alejandro Xul Solar, Sarah Grilo, Florencio Molina Campos, 
Antonio Seguí,
Rómulo Macció, Luis Tomasello, Eduardo Mac Entyre y
Rogelio Pollesello y Guillermo
Kuitca completan el envío de los artistas 
Argentinos.

El precio de los latinoamericanos se afianza con subas o permanencia 
de precios, lo que
dá un tono de seriedad y confiabilidad que no siempre 
está en los fabulosos récords de la obra
de artistas de otras latitudes, 
ciertamente sujetos a otras variables, provenientes más del
área 
financiera que del mercado del arte.

 

Fernando Esperon

 

 

 

Se subastó la pintura más cara de la historia: el gran artista Francis Bacon, con su tríptico "Three Studies of Lucian Freud" fue vendido por 142,4 millones de dólares en Christie's, Nueva York en el día de ayer, 12 de Noviembre.

En esta misma subasta de arte contemporáneo y de posguerra, tienen otro motivo para el festejo: Una escultura de acero inoxidable del artista Jeff Koons ha sido vendida a otro postor telefónico por 58,4 millones de dólares, convirtiéndose en la obra más cara de un artista vivo vendida en una subasta.

Con el record alcanzado por la obra de Bacon, ha quedado en segundo lugar la gran obra de Edward Munch, "El grito", que logró una puja por 119,9 millones de dólares en la casa de subastas de Sotheby´s en el año 2012.

 

 

 

RENTABILIDAD DEN EL ARTE: INTERROGANTES Y CONCLUSIONES

La rentabilidad del arte y su realidad como activo financiero siempre
es tema para seguir, aunque más no sea con espíritu de curiosidad.

En esta materia, un informe que es en realidad una tesis universitaria
preparada por Elena De la Poza Plaza, una docente de la Universidad de
Valencia, arroja datos muy útiles desde un riguroso estudio de las
inversiones en arte en el período 1997/2006. El documento muestra
porcentuales y tendencias que, de hecho, se mantienen en hoy en día,
aún a pesar del shock recesivo del 2009.

Un inversor clásico (como define el estudio a un inversor conservador,
que sacrifica rentabilidad en aras de la seguridad),  podrá obtener mayor
rentabilidad en carteras en la que el porcentaje de participación de obras
de arte se incremente.

Es decir, si el inversor estuviera dispuesto a asumir un riesgo del 10%,
obtendrá una rentabilidad del 33,2% invirtiendo en una cartera compuesta
el 43,11% por acciones y el 56,89% en obras de arte.

La cuantificación del Ratio de Sharpe confirma los resultados obtenidos,
es decir, la cartera que alcanza una mejor performance para el inversor
clásico es aquella en la que la proporción rentabilidad / riesgo es del
10,97% - 1% respectivamente.

El tema a partir de estos datos, es que, al igual que en otro tipo de
inversiones,  depende de los artistas en los que uno invierta, y, como
en todas las áreas  es donde comienza la tarea de un profesional que
asesore con honestidad y – por qué no - sentido común.

Distinto es lo que ocurre en el firmamento de las grandes cifras y los
grandes maestros, donde los inversores están atentos al movimiento en
cada subasta, y en la coyuntura obtienen excelentes ganancias.

La medición de renta en el caso de este estudio está hecho sobre la
base del índice Dow Jones, y en base a una cartera integrada por
Modigiliani, Richter, Warhol, Picasso y Basquiat.

En el plano de las inversiones menos sofisticadas y de menores
cifras, la suba de los emergentes con presencia en muestras, museos
y subastas, será sin duda la de mayor renta con respecto a los de los
consagrados, siempre y cuando éstos emergentes estén bien
promocionados y sostenidos comercialmente, lo que ocurre por la
misma y sencilla razón que hace que sea más fácil caer de la cima de la
montaña que de la ladera, o traduciéndolo en términos de mercado del
arte, de 100 a 1000 se va más rápido que de 10.000 a 100.000.

Todo esto, en un plazo no menor a cinco años, que es el período de
tiempo mas razonable para medir una inversión que - como siempre decimos -
no es justo comparar con otras del menú financiero, ya que ninguna de las
otras se disfrutará ni elevará el espíritu como ésta.

 

 

Fernando Esperon

 

 

 

EL MECENAZGO, UNA HISTORIA DE POLARIDAD

El sponsoring o auspicio del arte no es algo nuevo, como casi todos los fenómenos que se mueven alrededor de un hecho artístico.

Desde Cayo Cilnio Mecenas, quién da origen al término mecenazgo, ha quedado ligado a la historia como el apoyo y la protección brindados a jóvenes poetas como por ejemplo Horacio o Virgilio.

Los Médicis, una poderosa e influyente familia de Florencia, ayudaron al despegue del Renacimiento cuando invirtieron cuantosas cifras en los artistas más grandes de la época, pero indujeron a algunos de ellos a firmar sus obras, lo que hasta el momento no era de práctica usual. Así, alteraron el rumbo de la historia e introdujeron un factor que modificaría toda la relación del ser humano con el arte : la valoración de la obra por la firma que lleva.

Hasta entonces, las obras no se firmaban porque, en Asia Menor y el Lejano Oriente, se consideraba que la obra creadora correspondía al creador de todo y todas las cosas, lo que convertía a los humanos con talento de dibujar, esculpir o tallar, en artesanos que cumplían la función de canalizar la magnificencia creadora de Dios.

Para ellos, la originalidad, es la correcta asimilación de los principios que vienen de la unidad y su adaptación al lenguaje de los tiempos que corren. 

Esta idea del arte, natural y expandida por los árabes a Europa y originaria de la India, fue reemplazada por el sentido más práctico y material de la obra, la que se identificaba más por el artista al que pertenecía que a la contemplación y su valor económico.

Iniciando lo que hoy conocemos como mercado de arte, dicha transformación cambia el concepto de la obra y acompaña un proceso que duraría siglos hasta llegar a nuestros días.

Tal vez Mecenas nunca imaginó que su iniciativa de promover y proteger a poetas y escritores del momento llegaría a transformarse en el medio por el que empresas, gobiernos y todo tipo de organizaciones, asociarían sus ideologías, productos y servicios con algo que en su origen, el ser humano hacía para tomar contacto con lo superior.

Un final triste para el arte? ..no lo creo , ya que el mismo mercado que pareció cambiar las reglas es quien capta ,como en el caso de muchos artistas abstractos, fractales, formas y lenguaje de colores que siguen elevando el espíritu, actuando como máquinas ocultas que envían mensajes desde el inconsciente, al que afortunadamente la parte más salvaje del hombre no puede manipular.


Fernando Esperon

 

 

LA REVOLUCIÓN ONLINE EN EL MERCADO DEL ARTE

 

En la última década, la actividad incorporó la modalidad

online para sus transacciones, de hecho, la de mayor crecimiento

y sin duda alguna, la mayor dinamizadora de ventas para el arte

a nivel global de toda la historia.

 

Las maneras son variadas, aunque a primera vista , la compra

directa a través del ordenador no parecería mover cifras o

porcentajes significativos en comparación a otras modalidades.

 

Sí lo que resultó modificado es el hecho de que gracias a internet,

la capacidad ilimitada de almacenamiento de imágenes y

el mejoramiento constante de las cámaras de los teléfonos

celulares, cambió la forma de vender obras de arte.

 

Una foto, tomada y enviada en el acto para alguien que conoce

la obra del artista, puede significar una venta cerrada al instante,

la visualización de una obra enviada a un interesado, en comprar

obra para decorar una casa, significa compartirlo con su familia y

que haya un acuerdo también inmediato.

 

Lo mismo ocurre con arquitectos y decoradores, de hogares

y empresas, como en las formas online de comercialización

(subastas, galerías virtuales de venta y comunicación).

 

Toda la operatoria, al igual que en los servicios se sintetizó y

comprimió en esa realidad paralela que es la web, donde se

cierran acuerdos, se transfieren dineros y se sigue la evolución de

los artistas además de buscar en qué estado de sus carreras, logros

y evolución de precios se encuentran. La información de todo

el mundo nos llega a una velocidad que Imprime un ritmo de

operaciones vertiginoso.

 

No debemos perder de vista, por otra parte, que la reticencia a

comprar online obras de arte en Argentina no es solamente

en este rubro. El público compra por Internet  menos que en los

países centrales. En todo caso, la necesidad de ver la obra

en directo es más que comprensible, aunque con el tiempo las

modalidades, como siempre, nos sorprendan.

 

Fernando Esperon 

 

 

 

 

 UN MERCADO BRASILEÑO QUE CRECE Y UNA ESTRATEGIA A IMITAR

Acompañando el poderoso impulso de crecimiento de la sexta economía del mundo, el mercado
de arte Brasileño crece a niveles sorprendentes.

Y esto no se trata sólo del lógico fenómeno de desarrollo de un mercado privado en un país que
crece, sino del esfuerzo mancomunado de varios 
sectores.

Mientras los galeristas independientes de la Asociación Brasileña 
de Arte Contemporáneo y
organismos Gubernamentalescomo la 
agencia oficial de promoción de Exportaciones- Apex- apoya
la actividad 
de las galerías y promociona artistas en el plano internacional para asistir a ferias y
ampliar su base de clientes, Apex invirtió en estos ítems en el 
período 2011-2013 un presupuesto
que supera el medio millón de dólares.

Según un reciente informe conjunto, los negocios de las galerías de arte brasileñas crecieron un
44%en los últimos dos años, mientras en 2011 
las exportaciones de arte alcanzaron un récord
de 60 millones de dólares.

El mejor desempeño anterior había sido en 2009, con 38,5 millones, según datos publicados
recientemente por la agencia noticiosa APF.

El epicentro de este movimiento es – lógicamente -, la cosmopolita Sao Paulo que atrae gente de
negocios de todo el mundo y así pudo 
verse en la última edición de la feria SP/Arte en ésa ciudad a
mediados 
de Mayo, que tuvo una cifra récord de participación de más de 100 galerías, 27 de
ellas extranjeras.

Desde septiembre, además, el  centro industrial y financiero de Brasil será sede de la 30 ª edición
de su ya consagrada Bienal que presentará a más 
de un centenar de artistas de todo el mundo.

El otro aspecto importante de este boom se dio en las recientes subastas de Arte Latinoamericano
en Nueva York donde los artistas brasileños, como 
Cándido Portinari a la cabeza seguido por Sergio
Camargo, Lygia Clark y 
Emiliano Di Cavalcanti , lograron records de siete cifras, dando un gran
impulso y llamando la atención de inversores, antes concentrados en 
artistas mexicanos,
venezolanos y cubanos.

En el siguiente círculo de precios de obras de artistas contemporáneos hay artistas que venden
a precios muy altos, como Beatriz Milhazes o 
Adriana Varejão, cuyas obras pueden llegar a cotizar
entre 500.000 
y el millón de dólares.

Pero el boom del arte no es exclusivo de esos segmentos. Muchos jóvenes brasileros coleccionan
obras 
desde 500 dólares que serán, cuando menos algunos, artistas de circuito, lo que asegura la
rentabilidad de la inversión 
en el mediano plazo y aún, mas importante que eso, que se está formando
una generación de coleccionistas que ve más la necesidad de tener un contacto personal con el arte
que de especular financieramente ,lo que 
agrega - sin duda- el valor de retorno más alto que el arte
puede sumar: el placer y el alimento del espíritu.

Fernando Esperon

 

 EL MEJOR NEGOCIO EN ARTE ES EL DESARROLLO DEL ESPÍRITU

 


 

En los tiempos que vivimos, el mercado del arte pasó de ser un

fantasma que amenazaba a los artistas por la voracidad con que

manipulaban los precios, a ser un aliado en la fijación de sus precios

a través de las subastas, ferias y operaciones privadas.

También para los compradores, se estabiliza como forma de preservar

el patrimonio en moneda  dando una seguridad que otras alternativas

no ofrecen.

 

Mas aún el dinero cash, que debido a la emisión ilimitada se depreda

con velocidad en todo el mundo, por haber producido una liquidez

exagerada, con la consecuente disminución de su valor numérico.

 

El arte junto con otros pocos bienes, ofrece buen resguardo, y tiene

un agregado que lo hace único: ningún otro bien da placer y alimenta

el espíritu al tiempo que sostiene su valor.

 

En estos días, un iconográfico pintor contemporáneo  de impecable

carrera, Gerard Richter, llamó  "obscena" a la cotización que una de sus

obras del período figurativo acaba de cotizar Sotheby’s, en la

exorbitante suma de U$S 37.000.000.

 

Pocos artistas contemporáneos tuvieron una carrera tan incuestionable

reconocida, tanto en sus etapas figurativa o abstracta, que termina siendo

refrendada en una subasta de primera línea.

 

Nos hemos refererido en anteriores notas a la diferencia de la solidez de

la inversión en artistas de trayectoria ,y de cómo se construyen los

precios de los que son resultado de la necesidad de especulación:

Pues bien, el hecho es que los capitales especulativos están dandose

cuenta que es mejor "negocio" invertir en artistas de trayectoria,

que en los Damien Hirst o inventos similares.

 

Esto es lo que termina dando solidez al arte como inversión, y es que

finalmente, ningún vaivén de precios relativos puede alterar el hecho

de que tener un Monet o un Degas es y será mejor que cualquier otra

forma de ese monstruo de mil cabezas del siglo XX al que llamamos

mercado.

Tal vez porque ni bonos, ni acciones, ni propiedades han tenido tan

alta influencia en la evolución del espíritu humano.

 

Fernando Esperon

 

 ¿SERÁ PARA BIEN, SERÁ PARA MAL?

 


En la segunda mitad del siglo XX, el mundo vio nacer, crecer y perfeccionarse la herramienta
que más influencia tendría en la vida cotidiana de la gente: la investigación motivacional;  
como la llamara el sociólogo Vance Packard a fines de los cincuenta, una de las formas ocultas de la propaganda.

Esto es, ni más ni menos, que la manipulación de la percepción de objetos, ideas y costumbres de las personas.
Esta modalidad se consolida en el Motivational Research Institute, dirigido por el Dr. Ernest Dichter,
donde se estudiaban las tendencias inconscientes del consumidor y sus preferencias a la hora de
elegir envases,
colores y formas d
e productos para adultos y niños. Esto impactó en el mundo del arte hacia los 60‘s generando
adeptos y resistencias en los dos focos más importantes de la época.

Los artistas Pop de los 60´s como Andy Warhol y Roy Lichenstein, diseñaron  etiquetas y avisos gráficos de
muchos productos, entre ellos una célebre lata de sopa, subastada mucho después a precio fabuloso.

La fusión entre publicidad, diseño y arte encuentra en el Pop un vehículo adecuado y muchas empresas
se unen a la publicidad a través de la figuración del pop,  ya que eran una garantía de identificación en
los jóvenes, y también generó, claro, resistencias: por ejemplo, en los artistas abstractos norteamericanos
de la escuela de Nueva York. Éstos últimos publicaron 
el “Manifiesto del arte abstracto” y fueron liderados
por Adolph Gottlieb, Mark Rothko y Jackson Pollock, entre otros.  Dejaban entrever, por oposición y sin hacer
peleas visibles específicas, que no comparten la afinidad con lo obvio de las obras figurativas y por lo tanto,
con el advenimiento de un nuevo mercado, construido más por galeristas, promotores y coleccionistas-financistas
que por los antiguos Mecenas y amantes del arte.

Cuando a mediados de los cincuenta se inauguró en Nueva York el Seagram Building, un edifico
emblemático en  la Manhattan de entonces, el restaurante Four Seasons de ese edificio fue decorado
con obras de Mark Rothko. 
El artista, de conocida rebeldía ante el sistema, fue al restaurante a ver sus obras y de regreso a su casa,
llamó asu galerista y le dio la orden de retirar inmediatamente las pinturas de ese lugar.

El argumento de Rothko fue que “no quería que esa clase de gente que comía esa clase de comida
en esa clase de restaurant, mirara su obra”. 
Poco tiempo después, donaba las mismas obras al Tate Gallery,
en Londres. Muchos fueron los dichos de este artista sobre la profunda decepción que el arte manejado por
mercaderes y publicistas le producía.

Sin embargo, la oscuridad siempre está embarazada de la aurora y ningún proceso tiene un solo matiz… 

La impregnación que los medios masivos produjo en el público cincuenta años después de la irrupción del
Marketing, es cuando se puede decir que, sin embargo  la propaganda en sus muchas formas contribuyó-
como efecto secundario- a acercar el arte a mucha más gente, que ocupó espacios no tradicionales donde el
arte está presente, dando como resultado la llegada a mayor cantidad de personas que, producen, adquieren,
disfrutan  y hacen trabajo social utilizando el arte como vehículo, nada mal para un momento en que el mundo
lo necesita como al agua.

 

 

Fernando Esperon 

 

 

 

EL INSTANTE SAGRADO

 



El mercado de arte parece ser un lugar donde la verdad es sólo una forma
de presentar los hechos, tan subjetiva como lo somos los seres humanos.

Así lo muestra este cuento de, Nasreddin - legendario personaje de la sabiduría

oriental que con sus historias representaba a la mente condicionada-

que cuenta que un Sultán, cansado de las mentiras del simpático personaje ,

se dispuso a atraparlo infraganti, para ello, dictó una ley en la que decía cualquiera

que mintiera cuando entraba o salía de la ciudad , seria ahorcado.


Al anochecer, Nasreddin llegó, como todos los días, a las puertas de la ciudad
montado en su burro . Los guardias, con aire de triunfo y esperando escuchar

una mentira como respuesta, le preguntaron :

- Nasreddin , a donde vas ?

-“A ser ahorcado… “contestó Nasreddin

Los guardias, desconcertados, se miraron entre sí.

-“Si me cuelgan convertirían esto en verdad- siguió- con lo cual, si me ahorcaran

cometerían una gran injusticia y la gente lo sabría, y el Sultán quedaría ante el pueblo

como un hombre impiadoso “…
Los guardias, confundidos por la ocurrencia, sin saber qué hacer y temerosos de

la posible ira del Sultán, dejaron ir a Nasreddin..

 

De igual forma, con el desembarco de los llamados “depredadores” del mercado

de arte, la valorización de las obras parecía ser una fantasía convertida

rápidamente en realidad , como pasó ,por ejemplo, en la década del ’80 cómo si

obras y artistas tuvieran la oscilación de precios que tenían otros activos del

mercado financiero, es decir que subían con la misma potencia que luego se

derrumbaban, o volvían en el mejor de los casos a sus precios históricos.

En lo que a la distancia conocemos como el “efecto yuppie” que deprimió el mercado

hasta 1997, año en que los inversores empezaron, de a poco, a recuperar la confianza.

 

Pese a que en estos tiempos y seguramente en los que vendrán, esa realidad se

sigue replicando en algunos casos, lo que da la solidez a los precios de las obras

es el que se basa en otra realidad que la dictada por el marketing o la pura

especulación, es más bien, la realidad de la trayectoria donde el artista es

reconocido por coleccionistas de cualquier nivel , críticos y curadores,

creando una base de confianza que construye su precio.

 

Está claro que el inversor que gusta del arte, no sabe de especulaciones

ni de acciones de marketing, sólo busca la contemplación de la obra de arte que

alimentará su alma y estimulará su conexión con algo superior ,aunque

su mente racional no sepa definirlo.

 

Las escuelas más antiguas de desarrollo humano, coinciden en que un ser

humano puede estar dos semanas sin comer , dos días sin beber agua ,

dos minutos sin respirar, pero solo un segundo sin recibir un impacto.

 

Por ende, es el impacto, sin lugar a dudas, el alimento más importante que

recibimos y que ofrece una oportunidad más poderosa que la rentabilidad

inmediata, por grande que ésta sea: la posibilidad de una conexión, que se da

cuando contemplamos la obra de arte como un mensaje cifrado de algo superior.

 

 

 

Fernando Esperón 

 

LONDRES FUE EL CENTRO DEL ARRANQUE DE LA TEMPORADA DE SUBASTAS 

  

Por estos días es Londres el centro de la atención del mercado de subastas, con la de Impresionismo y Arte Moderno, que llegó a una cifra total de ventas de u$s 250,900,000 y donde el récord fue el alcanzado por “Retrato de Jeanne Hebuterne”, obra de Amadeo Modigliani pintada en 1920,un año antes de su fallecimiento y que fue la estrella de la subasta, vendida en u$s 42,104,835.

Otras cotizaciones, aunque de cifras bastante inferiores perode obras importantes fueron “Lómbrelle “ de Pierre Auguste Renoir, vendido en mas de u$s 15,000,000 y“ Nuaccroupi “ de Pablo Picasso que redondeó los u$s 11,ooo,ooo.

En Sotheby´s, también en la misma ciudad, en la subasta de Impresionismo y Arte Moderno se llegó a un total de u$s 228,532,709 , y el mayor precio fue el logrado por la obra de Pablo Picasso “Mujer sentada junto a la ventana “ que se vendió en u$s 45.000.000 y “ Mujer soñando con fugarse “  de Joan Miró, vendido en u$s 13,160,000 dólares.

Para los días por venir, ambas casas preparan las subastas de Arte Contemporáneo y de posguerra siempre en la capital británica, esta vez con estimados  que mayormente no superan el orden del millón de dólares.

La óptica desde la cual miramos las cifras de estas subastas son obviamente, subjetivas en relación al tamaño del mercado de cada lugar. Para nosotros, en este rincón del mundo, las cifras de las subastas del hemisferio norte son meteóricas o cuando menos inalcanzables, aunque a no desesperar, ya que el síntoma de un mercado sano es el crecimiento sostenido dentro de un período de tiempo no menor a los cinco años.

Cuando hablamos de crecimiento no solo nos referimos a la cantidad de personas que se aproximan a comprar arte, si no también a la cantidad de público que participa en muestras y exposiciones en museos y galerías ,lo que a la larga redunda en crecimiento del volumen de ventas y , finalmente, en el tamaño del mercado.



Fernando Esperon

 

 

 

 

 

 POLARIDAD Y TRANSFORMACIÓN EN UN AÑO INTENSO


 

 A nivel global, el 2012 fue mejor para el mercado del arte

 que para otros, en lo que a subastas se refiere,

al menos si tomamos como referencia las subastas de

Arte Moderno y de Posguerra en Christies, y las de Sothebys

y Phillips de Pury , tres subastadoras más importantes.


A la decepción que los operadores tuvieron

con la subasta de Impresionistas y Modernos , siguieron

impresionantes records en las de arte contemporáneo,

con un total que ronda los U$S 800 millones, sumando las

dos subastadoras, con obras de Mark Rothko, Jackson Pollock,

Willhem de Kooning y Francis Bacon en Sothebys,y a pocas cuadras

en la” Subasta de Arte Contemporáneo y Posguerra”de Christies,

Andy Warhol Franz Kline Jeff Koons, Roy Lichenstein y

Jean Michel Basquiat.


La pintura de la llamada escuela de Nueva York fue la estrella

este año, junto con un récord puntual marcado por “El Grito” ,

la obra del expresionista Noruego Edward Munch, que remontó

por mucho su estimado de 80 millones llegando a los 120.

Esta versión al pastel, la única que seguía en manos de un particular

de las cuatro existentes, y fue vendida por Petter Olsen,

mientras que las otras tres pertenecen a museos.


El comprador es un magnate de las finanzas indicado por

la revista Forbes como uno de los hombres más ricos del

mundo.


Como récord de precio de un artista vivo “Abstraktes Bild”,

la obra de Gerhard Ritcher por el que un comprador que logró

mantener el anonimato pagó 34 millones de dólares, hizo que

su dueño anterior, el famosísimo guitarrista Eric Clapton,

lograra una inversión más que rentable, ya que

había pagado por ella sólo tres millones de dólares en 2001.


En subastas online, el Top Price fue para “ October on Cape Cod”,

una de las muy pocas obras de Edward Hopper que existen en

el mercado fuera de los museos, y que fue vendida por la casa

Christie’s, en la subasta de Internet de Noviembre por

u$s 9,6 millones.


En el ámbito local, las subastas tuvieron una merma en la

facturación total respecto del año anterior, aunque la causa

no tiene que ver con la confianza de los inversores en el arte,

sino en una situación tangencial, como son las restricciones

cambiarias, que produjeron en principio una retracción en

el mercado, seguido de un repunte hacia el final del año ,con

algunos precios importantes en operaciones puntuales.


Rescatamos el sostenido y creciente interés de los nuevos

compradores que se acercan, sin prisa y sin pausa, y de la

diversidad de gustos de los mismos , que se inclinan por

más cantidad de artistas en diversas técnicas y soportes.


Para cada vez más gente, el arte es una opción atractiva y

Rentable por encima de los vaivenes económicos.

 

 

 

Fernando Esperón

 

MIAMI : CRÓNICAS DE UN NUEVO PARADIGMA

 



En la ciudad de Miami acaba de comenzar una explosión

de texturas ,formas ,colores y nuevas tendencias, en las

nueve Ferias de Arte que se abrieron esta semana.
 

Todo ello alrededor de la onceava edición de la feria

ART BASEL MIAMI BEACH, que junto a sus “Satelites”

reúnen unos 2000 artistas distribuidos en unas 260 galerías,

que prometen muchísimo al incluir artistas emergentes,

conceptuales, pequeñas galerías, y nuevas tendencias.


UNTITLED,
una feria ultra contemporánea, tiene como

particularidad que se realiza en una carpa en una playa,

Overture Art Fair, en su tercera edición, tiene como objetivo

promover al arte como vehículo de responsabilidad social por

medio de proyectos y eventos filantrópicos.

NADA (The New Art Dealers Alliance) es una feria internacional

dirigida por una organización sin fines de lucro con foco

en la investigación de artistas y movimientos emergentes.

PULSE: PULSE Miami en su octava versión, presenta

a más de 86 galerías de todo el mundo con performances,

videos e instalaciones.

SCOPE Miami 2012 siempre asociada al arte emergente

Convoca a 84 galerías internacionales y varios programas

clave que tendrán lugar en su nueva locación en el Midtown

Arts District.


Por ejemplo, el Breder Program estimula a “desafiar la premisa

de lo que es una galería” y “servir de agente para la transformación

del mundo”, o el “Noosphere Arts “, un espacio sin ánimo de lucro

iniciado en el 2011 por el artista noruego residente en Nueva York

Sol Kjøck para crear redes mundiales de intercambio.

ART MIAMI, es la feria de arte más tradicional de la ciudad de Miami,

Y a la sazon ,la más grande y aún mantiene una posición privilegiada

en la escena artística de esta ciudad. reúne unas 125 galerías de

primer nivel de todo el planeta

CONTEXT que mostrará proyectos de artistas emergentes y

JUSTMAD MIA celebrará su primera edición del 6 al 9 de diciembre

en el Wynwood Convention Center con la filosofía de trabajo que tiene

su hermana madrileña JUSTMAD.


Como resultado de esta fiesta del arte en Miami,

el abanico se sigue abriendo , las técnicas de nuevas técnicas
de comunicar el arte surgen, pero sin quitar lugar

a las Tradicionales, lo que habla de una época inclusiva y expansiva,

donde hay lugar para todos menos para la crisis, porque

finalmente ,si la vida no es más que una gran ilusión , la que genera

el arte es de una calidad muy superior, internamente mas nutritiva

y mas placentera y que casi todo el resto.

 

 

Fernando Esperon

 

 

 

LA PARADOJA DE UN MERCADO PERFECTO

Jackson Pollock


El fragor electoral y las inundaciones que precedieron este año

a las subastas de otoño en Nueva York no pudieron - sin embargo -

detener la pujanza de un mercado que sigue contradiciendo

los índices de crisis y recesión que circulan en los circuitos

económicos y financieros.


Y aunque las subastas de “Arte Moderno e Impresionista”

decepcionaron a los operadores, (un tercio de las obras no se

vendió y sólo dos obras de Picasso y Monet llegaron a los

U$S 40.000.000.-) las de Arte Contemporáneo lograron trocar

en euforia el desánimo de las anteriores.


Como en las mejores épocas, y con un total que ronda los

U$S 800 millones sumando las dos subastadoras, el tope
llegó en Sotheby’s, de la mano de dos mascarones de proa

de las ventas en remate, Mark Rothko con “Red & Blue N°1”,

que hizo bajar el martillo con la ofeta de U$S 75.000.000,  

para una obra de 290 x 170 cms y Jackson Pollock con

“Número 4”, de 76,5 x 73,5cms, que llegó a los U$S 40.402.000 .-
En una franja menos opulenta, “Abstraction” de Willem

de Kooning, de 60x80 cms, alcanzó los U$S 19.000.000.

Y mas allá de los abstractos, el controvertido artista Irlandés

Francis Bacon alcanzó los U$S 29 .000.000.-


A poca distancia de ahí, en la ”Subasta de Arte Contemporáneo

y Posguerra” de Christie’s, el precio Top, fue para “Estatua de la libertad”

de Andy Warhol , en U$S 43.762.500 .-. Muy cerca,“S/T” de Franz Kline

200 x 270 cms, se vendió en U$S 40.402.500.- cuadruplicando

el precio de sus últimas subastas. “Tulipes” de Jeff Koons, U$S 33.682.500.,

“ Desnudo con camisa Roja “, de Roy Lichenstein en U$S 28.082.500.-,

Y finalmente,”S/T” de Jean Michel Basquiat, en U$S 26.402.500.-

 

Estas son algunas de las cifras que se manejaron esta semana, y

que sigue habilitando al arte como una inversión donde la intuición

y el desarrollo de la percepción no están ausentes, lo que siempre

puede verse en la brecha que existe entre obras del mismo artista

con similares características pero que tienen suerte opuesta a

la hora de enfrentar al público comprador.
La diferencia está en lo que trasmiten cuando se las contempla,

mucho mas allá de la especulación financiera.


No puedo dejar de recordar la respuesta de una muy reconocida

operadora de una galeria internacional, de gran experiencia

en salas de subasta Neoyorkinas, quién -al comentar este fenómeno-

me dió su explicación de por qué una obra duplicaba su valor

mientras el lote siguiente , del mismo artista, técnica ,medida

y época no producia ofertas, me sonrió y me dijo, refiriéndose

a la que se había vendido:“ Es que es bella, muy bella, llega al alma “…

 

 Fernando Esperón

 

 

 LA QUINTAESCENCIA DE LA INVERSION EN ARTE

 


El mercado del arte tiene sus propias leyes y características,

distintas a veces del mercado financiero o bursátil.

 

El comprador tiene su primer impulso en la compra de una obra

porque le gusta una pintura, la mayor parte de las veces

sin pensar en el rendimiento a nivel monetario. Ahí empieza

en realidad ,un negocio de inversión que resulta siempre

más fascinante que la rentabilidad misma que en el caso del mercado

local está calculada en el 10 % anual.

 

La mejor forma  de transitar por el arte como “negocio”

es abrir la mente a la percepción a la obra, más que a la renta ocasional

de cada operación, ya que la segunda viene como consecuencia de la primera.

 

El valor de una obra no se pierde, aunque se sabe que siempre

hay buenas y malas compras. Una obra mantiene o incrementa su

precio a valores constantes si se le da el tiempo necesario.

Es un activo físico y la obtención de ganancias no siempre es inmediata, ya que

su oferta depende de la demanda del momento.

 

He conocido mucha gente que compró arte como inversión que al tiempo,

y ante una oferta ,no quiso desprenderse de la obra aunque

la ganancia sea óptima.

Por ejemplo, es muy conocido el hecho de que dos académicos de

Harvard, Xianping Mei y Michael Moses, trataron de hacer un índice

como guía de inversión financiera para los compradores de arte.

 

Llegaron a la conclusión de que éste mercado era impredecible,

y lo llamaron “imperfecto”. Terminaron elaborando un índice

copiando al del mercado de los bienes raíces. El verdadero

descubrimiento fue que el mercado del arte es muy

difícil de predecir en relación a otros. Tiene sus leyes y hay que conocerlas.

 

En cualquier caso, las obras de arte guardan sorpresas que no siempre se

develan en el momento: Jackson Pollock, pintó obras que alcanzaron

cifras extraordinarias muchos años antes de que los científicos R. Taylor,

A. Micolich y D. Jonas- tres científicos australianos - publicaran en 1999

un artículo en Nature donde anunciaban que los cuadros de Pollock de

la época “drip and splash” tenían estructuras fractales en su obra.

 

De alguna forma, el mercado descubrió intuitivamente antes lo

que los científicos descubrieron muchos años después.

 

La aventura consiste, en cualquier caso, en empezar a percibir los

Ingredientes internos en  las obras de arte, volver al concepto de

valor como lo que define al precio, y no a la inversa, ya que el valor

proviene de algo muy profundo del ser humano que fue captado,

-en su momento - por el artista.

 

Solo se trata de volver, finalmente a la quintaescencia del mercado de arte.

 

Fernando Esperón

Por Fernando Esperón

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Torres, Lucia

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Nace en San Miguel de Tucumán, Argentina. Profesora de Dibujo y Grabado, Escuela Provincial de Bellas Artes «Dr. Figueroa Alcorta» de Córdoba 1982 con Medalla de Oro a la Egresada De Mayor Valor Plástico.

Residió en Río Gallegos, Santa Cruz, Argentina  desde marzo  1985 hasta julio de 2012. Especialista en Gestión de Centros Educativos 1995. Docente de Arte en todos los niveles educativos desde año 1981 al 2001.  Supervisora del Área Artística de EGB desde junio 2001 hasta junio 2008.

En 1996 realiza el Proyecto de creación del Museo de Arte “Eduardo Minnicelli”, de Río Gallegos, Santa Cruz, dirigiéndolo hasta junio 2001.

Participa en exposiciones de Grabado y Pintura desde 1982 a la fecha.

Participa en Clínicas de Arte con Hector Médici,  Juan Carlos Romero, Horacio Zavala, Esteban Alvarez, Salvina Tamborini, Elena Oliveras, Alicia Romero, Marcelo Gimenez  y Talleres de Fotopolímero con Alicia Candiani, Waterless lithography con Jeff Sippel, Litografía con Natalia Giachetta.

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